lunes, 31 de agosto de 2009

BLUES






















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BLUES
Blues…..tristeza
Uno de mis estilos musicales favoritos es el Blues, por su sonido, sus letras, etc...El Blues nace a principios del siglo XVII de la mano de esclavos africanos en el sur de EE.UU. Se utilizaba en rituales religiosos y en forma de protesta principalmente. La temática está marcada por la desdicha, a nivel laboral, económico, social y amoroso. Como muchas veces he pensado, el Blues no es solo música, tiene mucho, pero mucho sentimiento.El Blues influenció la música popular estadounidense, y occidental en general, llegando a formar parte de géneros musicales como el ragtime, jazz, bluegrass, rhythm and blues, rock and roll, hip-hop, música country y canciones pop.
canciones de oración, de trabajo, gritos de campo. Por los esclavos a las orillas de los ríos
Un rasgo característico del blues es el uso extensivo de las técnicas "expresivas" de la guitarra (bend, vibrato, slide) que posteriormente influirían en solos de estilos como el rock
El blues influyó en la musica popular estadounidense y occidental en general, llegando a formar parte de géneros musicales como el ragtime- jazz- bluesgrass- rhytm and blues- rock- country- pop- disco
A pesar de que la frase, en la música afroamericana, pueda tener un significado más antiguo se atestiguó que en 1912, en Memphis (Tennessee) el músico W. C. Handy ya utilizaba (en su tema Memphis Blues[2] [3] ) el término the blues para referirse a un estado de ánimo depresivo.[]
Una forma de este estilo pre-blues se pudo escuchar en los lamentos, o gritos de campo de esclavos, los cuales tomaron la forma de «canciones de un sólo intérprete con contenido emocional».[7] El blues, hoy en día, se puede definir como un género musical basado tanto en una estructura armónica europea como en la tradición de llamada y respuesta del África occidental y transformado en una interacción entre voz y guitarra.[]
Muchos de los elementos del blues, como el patrón de llamada y respuesta y la utilización de las notas de blues, pueden encontrarse en las raíces de la música africana; Sylviane Diouf señala algunas características determinantes del blues, como son el uso de melismas y una entonación nasal, que pueden sugerir la conexión entre la música del África Occidental y el blues.[9] El etnomusicólogo Gerhard Kubik puede que haya sido el primero en afirmar que ciertos elementos del blues tienen sus raíces en la música islámica de la parte central y occidental de África.
Los instrumentos de cuerda (los preferidos por los esclavos procedentes de las regiones musulmanas de África), estaban generalmente permitidos ya que los dueños de los esclavos consideraban que dichos instrumentos se asemejaban a otros instrumentos europeos, como el violín. Debido a ello, aquellos esclavos que eran capaces de tocar un banjo, u otro instrumento de cuerda, podían hacerlo con mayor libertad. Este tipo de música solitaria de esclavo muestra elementos de un estilo árabe-islámico basado en la huella que el Islam ha impreso durante siglos en África Occidental

Kubik también apuntó que la técnica Misisipi de tocar la guitarra, mediante una cuchilla afilada (utilizada por W. C. Handy), corresponde a un tipo de técnica musical similar usada en ciertas culturas del África central y occidental. El diddley bow —el cual se piensa que fue muy común en todo el sur del continente americano durante los primeros años del siglo XX—, es una derivación de un instrumento africano, el cual es muy probable que ayudara en la transferencia de técnicas en los primeros comienzos del blues.
La música blues adoptó más adelante elementos del ethiopian airs, minstrel shows y espirituales negros, incluyendo instrumentación y acompañamiento armónico.[11] El género también está relacionado con el ragtime, el cual se desarrolló por la misma época, aunque el blues «preservó mejor los patrones melódicos de la música africana».[]
Canciones blues de este período, como las de Leadbelly o las de Henry Thomas muestran una amplia variedad de estructuras, convirtiéndose en las más habituales las formas musicales de doce, ocho o dieciséis compases, basadas en los acordes tónicos, subdominantes y dominantes.[13] Las raíces de la que hoy en día se conoce como la estructura blues de doce compases, están documentadas en la historia oral y en las partituras de las comunidades afroamericanas que habitaban las regiones del bajo Misisipi, en la calle Beale de Memphis y en las bandas blancas de Nueva Orleans.
Letras
La forma original de las letras de blues consistió, probablemente, en una única línea repetida tres veces. Más adelante, la estructura actual, basada en una única repetición de una línea seguida por una línea final, se convirtió en estándar[] Estas líneas solían ser cantadas siguiendo un patrón más cercano a una conversación rítmica que a una melodía.
Los primeros blues, con frecuencia, tomaban la forma de una narración la cual solía transmitir mediante la voz del cantante sus penas personales en un mundo de cruda realidad: «un amor perdido, la crueldad de los agentes de policía, la opresión de los blancos y los tiempos difíciles».[15] Gran parte de los blues más antiguos contienen letras más realistas a diferencia de la mayoría de la música popular que se grababa por aquellos tiempos; por ejemplo, la canción Down in the Alley de Memphis Minnie, trata sobre una prostituta que mantiene relaciones sexuales con un hombre en un callejón.
Este tipo de música se denominó gut-bucket blues, un término que hacia referencia a un instrumento musical casero (con forma de bajo) fabricado a partir de un cubo de metal el cual era utilizado para limpiar los intestinos de los cerdos para preparar chinchulín (un tipo de comida que se asociaba con la esclavitud). Los blues gut-bucket solían ser depresivos y trataban acerca de las relaciones ásperas y difíciles, de la mala suerte y de los malos tiempos; debido a este tipo de canciones, y a las calles donde se interpretaban, la música blues adquirió mala reputación, llegando a ser criticada por predicadores y feligreses.
A pesar de que el blues solía asociarse con miseria y opresión, también puede adquirir tintes cómicos o humorísticos, y en muchos casos, connotaciones sexuales:
Ed Morales afirma que la mitología yorubá jugó un papel importante en los primeros blues, citando el tema Cross Road Blues del músico Robert Johnson como una «referencia finamente velada a Eleguá, la orishá encargada de los caminos».[16] Sin embargo, algunos artistas prolíficos de blues, como Son House o Skip James tuvieron en su repertorio varias canciones religiosas cristianas o de estilo espirituales. Reverend Gary Davis y Blind Willie Johnson son algunos ejemplos de artistas que suelen categorizarse por su música como músicos de blues, a pesar de que las letras de sus canciones corresponden claramente a espirituales.
Del estilo al género
Durante las primeras décadas del siglo XX, la música blues no estaba claramente definida en términos de progresión de acordes. Había una gran cantidad de temas blues que utilizaban una estructura de ocho compases, como How Long Blues, Trouble in Mind, y Key to the Highway del músico Big Bill Broonzy. También se podían encontrar temas blues con estructura de dieciséis compases, como en el tema instrumental de Ray Charles Sweet 16 Bars y en el de Herbie Hancock Watermelon Man. También podían encontrarse estructuras de compases menos frecuentes, como la progresión de nueve compases del tema de Howlin' Wolf Sitting on Top of the World. El desarrollo básico de una composición blues de doce compases se refleja en el estándar de progresión armónica de doce compases, en un compás de 4/4 o (raramente) en un compás de 2/4. Los temas blues lentos suelen tocarse en un compás de 12/8 (4 pulsos por compás, con 3 subdivisiones por cada pulso).
Hacia los años treinta, el blues con una estructura de doce compases se estandarizó. Los acordes blues asociados a una estructura blues de doce compases suelen estar compuestos normalmente por tres acordes distintos, los cuales son tocados a través de un esquema de doce compases:
En el gráfico superior, los números romanos indican los grados de progresión; en el caso de que se interprete en una tonalidad de fa, los acordes serían los siguientes:
En el ejemplo anterior, fa es el acorde tónico y sib es el acorde subdominante. La mayoría del tiempo cada acorde es tocado dentro de la estructura de séptima dominante. Frecuentemente, el último acorde suele ser el turnaround dominante (en los ejemplos anteriores corresponde a la V o a do) creando la transición al principio de la siguiente progresión.
Las letras de los temas blues generalmente terminan en el último golpe del décimo compás o en el primer golpe del undécimo compás, siendo los dos últimos compases un momento de ruptura instrumental; la armonía de estos compases de ruptura, el turnaround, puede ser extremadamente compleja, consistiendo algunas veces en notas sueltas que modifican el análisis del tema por completo. El golpe final, al contrario que los anteriores, suele estar casi siempre posicionado firmemente en la séptima dominante, para proveer de tensión al siguiente verso del tema.


Partitura musical de Saint Louis Blues (1914)
Melódicamente, la música blues está marcada por el uso de terceras, quintas y séptimas disminuidas (las llamadas notas de blues) de la escala mayor correspondiente.[17] Estos tonos de las escalas pueden reemplazar los tonos naturales de las escalas o añadirse a las mismas escalas, como es el caso de la escala pentatónica menor de blues, donde las terceras reemplazan a las terceras naturales, las séptimas a las séptimas naturales y las quintas se añaden entre las cuartas y las quintas naturales. Mientras que la progresión armónica de la estructura de doce compases ha sido utilizada durante siglos, uno de los aspectos más revolucionarios del blues fue el uso frecuente de las terceras, las séptimas e incluso de las quintas en la melodía, junto con el crushing (tocar dos notas adyacentes al mismo tiempo, por ejemplo como las segundas disminuidas) y el sliding (similar a las notas de adorno)[]
Mientras que un músico clásico suele tocar una nota de adorno distintivamente, un cantante de blues, o un armonicista, tocará glissando, «golpeando las dos notas para soltar a continuación la “nota de adorno”». En las progresiones de acordes del blues, los acordes tónicos, subdominantes y dominantes suelen tocarse como séptimas dominantes, siendo la séptima menor un componente importante de la escala. El blues suele tocarse ocasionalmente en una escala menor, diferenciándose ésta de la escala menor tradicional en el uso ocasional de la quinta en la tónica (cantada por el músico o por el instrumentista principal con la quinta justa en la armonía).
El tema de Big Mama Thornton Ball and Chain, interpretado por Janis Joplin acompañada por Big Brother and the Holding Company, muestra un ejemplo de esta técnica.
El blues en escalas menores suele estar estructurado en dieciséis compases en vez de doce, al estilo del género musical gospel, como puede comprobarse en el tema St. James Infirmary Blues y en el tema de Trixie Smith My Man Rocks Me.
Algunas veces, se utiliza una escala dórica para los blues de escalas menores, siendo la nota menor la tercera y séptima pero la mayor correspondiendo a la sexta.
Los shuffles de blues refuerzan el rítmo y el patrón de llamada y respuesta, formando un efecto repetitivo denominado groove. Los shuffles más simples, ampliamente utilizados en el blues eléctrico, el rock and roll o en el bepop inicial de post-guerra, consistían en un riff de tres notas de las cuerdas graves de la guitarra; el efecto groove se creaba cuando se interpretaba este riff con el bajo y la batería. Así mismo, el walking bass era otro dispositivo que permitía crear efectos groove.
El ritmo shuffle suele vocalizarse como «dow, da dow, da dow, da» o «dump, da dump, da dump, da»[19] y consiste en ocho notas. Un ejemplo de esto puede encontrarse en la siguiente tablatura que muestra los primeros cuatro compases de una progresión blues en mi:[20] [21]
El blues en el jazz difiere en gran medida del blues en otro tipo de géneros musicales (como el rock and roll, el rhythm and blues, el soul o el funk). El jazz blues suele tocarse en el acorde V a través de los compases 9 y 10, enfatizando la estructura tónica del blues tradicional (resolución tónica sobre el subdominante). Esta cadencia final de acordes V-I conlleva por sí misma un gran número de variaciones, siendo la más básica de ellas la progresión de acordes ii-V-I en los compases 9, 10 y 11. A partir de este punto, la aproximación dominante (acordes ii-V) y la resolución (acorde I) pueden alterarse y sustituirse casi indefinidamente, incluyendo por ejemplo la omisión completa del acorde I (compases 9-12: ii V iii, iv ii, V ). En este caso, los compases 11 y 12 funcionan como una extensión del turn-around para el siguiente coro.
Historia de los distintos géneros del blues
Orígenes
El blues ha evolucionado de una música vocal sin acompañamiento, interpretada por trabajadores negros pobres, a una gran variedad de subgéneros y estilos, con variedades regionales a lo largo de todo Estados Unidos y, posteriormente, de Europa y África. Las estructuras musicales y los estilos que están considerados hoy día como el blues, así como en la música country moderna, nacieron en las mismas regiones del sur de Estados Unidos durante el siglo XIX. Pueden encontrarse grabaciones de blues y de country que se remontan a los años veinte, periodo en el que la industria discográfica creó categorías de marketing denominadas «música racial» y «música hillbilly» para vender canciones a los negros y a los blancos, respectivamente.
En aquel periodo, no existía una distinción musical clara entre los géneros blues y country, excepto por la raza del intérprete e incluso en determinadas ocasiones este detalle solía estar documentado incorrectamente por las compañías discográficas[]
Mientras que el blues emergía de la cultura afroamericana, algunos músicos de blues ya eran conocidos a nivel mundial. Algunos estudios sitúan el origen del espiritual negro en la exposición que tuvieron los esclavos al gospel, (originario de las Hébridas) de sus amos. El economista e historiador afroamericano Thomas Sowell indica que la población sureña, negra y ex-esclava se disgregó entre sus vecinos redneck escoceses/irlandeses. Sin embargo, los descubrimientos de Kubik y otros estudiosos muestran claramente la esencia africana de muchos aspectos vitales en la expresión del blues.
Los motivos sociales y económicos del inicio del blues no se conocen en su totalidad.[23] La primera aparición del blues no está bien definida y suele datarse entre 1870 y 1900, en un periodo que coincide con la emancipación de los esclavos y la transición de la esclavitud hacia la agricultura a pequeña escala en el sur de Estados Unidos. Paul Oliver cita un texto de Charlotte Forten, de 1862, en el que ya habla de blues como estado de ánimo y de cómo algunas work songs se cantaban de forma especial, para superar los blues. []
Algunos investigadores asocian el desarrollo del blues en los primeros años del siglo XX como un movimiento desde un grupo de interpretaciones hacia un género más individualizado, argumentando que el desarrollo del blues está asociado con la nueva condición de libertad de los esclavos. Según Lawrence Levine[25] había una relación directa entre el énfasis ideológico nacional sobre el individuo, la popularidad de las enseñanzas de Booker T. Washington y el auge del blues». Levine indica que «psicológicamente, socialmente y económicamente, los negros fueron disgregados culturalmente de tal manera que hubiera sido imposible durante la esclavitud, y es sorprendentemente complicado que su música secular reflejara este hecho al igual que hizo su música religiosa».
Blues de pre-guerra
La industria estadounidense de publicación de partituras produjo una gran cantidad de música ragtime. Hacia 1912, esta industria publicó tres composiciones asociadas al blues, precipitando la adopción de elementos de blues por parte del Tin Pan Alley: Baby Seals’ Blues de Baby F. Seals (con arreglos de Artie Matthews), Dallas Blues de Hart Wand y Memphis Blues de W. C. Handy.[26]
Handy fue un músico, compositor y arreglista bien formado que ayudó a popularizar el blues transcribiendo y orquestándolo en casi cualquier género sinfónico, con grupos y cantantes. Se convirtió en un compositor famoso y prolífico, denominándose él mismo como el «padre del blues»; sin embargo, sus composiciones pueden definirse como una mezcla de ragtime con jazz (mezcla facilitada por el uso del ritmo latino habanera, el cual estaba presente desde hace tiempo en el ragtime).[27] [28] Uno de principales temas de Handy fue St. Louis Blues.
En los años veinte, el blues se convirtió en un elemento principal de la cultura afroamericana y de la música popular estadounidense, llegando incluso a la audiencia blanca a través de los arreglos de Handy y las interpretaciones de cantantes femeninas clásicas de blues. El blues evolucionó de interpretaciones informales en bares a una forma de entretenimiento en teatros. Los espectáculos de blues estaban organizados por la Theater Owners Bookers Association en clubes como el Cotton Club y en juke joints como los que se podían encontrar en la calle Beale de Memphis; debido a ésta evolución, se marcó el camino hacia una importante diversificación de estilos y a una distinción aún más clara entre el blues y el jazz. Fue en este periodo en el cual compañías discográficas, como la American Record Corporation, Okeh Records y Paramount Records, comenzaron a grabar música afroamericana.
Mientras la industria discográfica crecía, intérpretes de country blues como Charlie Patton, Leadbelly, Blind Lemon Jefferson, Lonnie Johnson, Son House o Blind Blake adquirieron notoriedad en las comunidades afroamericanas. Jefferson fue uno de los pocos intérpretes de country blues que llegó a grabar prolíficamente y puede que fuera el primero en grabar con la técnica de slide guitar, técnica que se convertiría en un elemento importante del delta blues.[ ]En los años veinte, las primeras grabaciones de blues se englobaron en dos categorías: un blues rural (country blues, más tradicional) y un blues más pulido y urbano.
Los intérpretes de country blues solían improvisar, unas veces sin acompañamiento y otras haciendo uso de un bajo o una guitarra. En los primeros años del siglo XX existía una gran variedad de estilos regionales en el country blues; el Misisipi Delta Blues era un estilo de profundas raíces con voces apasionadas acompañadas de guitarra slide. Robert Johnson,[30] el cual grabó muy pocas canciones, combinó elementos tanto del blues urbano como del rural. Junto a Robert Johnson, intérpretes influyentes de este género fueron sus predecesores Charlie Patton y Son House. Cantantes como Blind Willie McTell y Blind Boy Fuller interpretaron la «delicada y lírica» tradición sureña del Piedmont blues, estilo que utilizaba una técnica muy elaborada de tocar la guitarra sin púa. Georgia también tuvo una tradición temprana hacia los slides.[31]
El Memphis blues, el cual se desarrolló durante los años veinte y treinta alrededor de Memphis (Tennessee), estuvo influenciado por bandas como Memphis Jug Band o Gus Cannon's Jug Stompers. Intérpretes como Frank Stokes, Sleepy John Estes, Robert Wilkins, Joe McCoy o Memphis Minnie (famosa esta última por su virtuosismo a la hora de tocar la guitarra) utilizaron una gran variedad de instrumentos atípicos como el mirlitón, el violín o la mandolina. El pianista Memphis Slim inició su carrera en Memphis, pero su estilo tranquilo y distintivo era mucho más suave y ya contenía algunos elementos del swing. Gran parte de los músicos blues que vivían en Memphis se trasladaron a Chicago a finales de los años treinta y principios de los años cuarenta, formando parte del movimiento de blues urbano que uniría la música country con el blues eléctrico.
Los estilos urbanos del blues estaban más codificados y elaborados.[32]El blues clásico femenino y las cantantes blues de vaudeville, fueron famosas en los años veinte, destacando intérpretes como Mamie Smith, Gertrude Ma Rainey, Bessie Smith y Victoria Spivey. Mamie Smith, la cual era más una intérprete de vaudeville que una artista del blues, fue la primera afroamericana en grabar un blues en 1920; su Crazy Blues vendió 75.000 copias en el primer mes.[]
Ma Rainey (denominada la Madre del Blues) y Bessie Smith cantaban «... cada canción alrededor de tonos centrales, quizás para proyectar sus voces más fácilmente hacia el fondo de la habitación». Smith «... cantaba una canción en una afinación inusual, y su calidad como artista mezclaba y estiraba las notas gracias a su bella y poderosa voz de contralto para acomodarse a la interpretación de una manera inigualable».[34] Entre los intérpretes masculinos de blues urbano se incluían músicos negros populares del momento como Tampa Red (denominado ocasionalmente como el Mago de la Guitarra), Big Bill Broonzy y Leroy Carr, tomando este último la decisión inusual de acompañarse a sí mismo con un piano.[35]
El boogie-woogie fue otro de los géneros importantes de blues urbano en los años treinta y principios de los años cuarenta. Mientras que el género suele asociarse con un único piano, el boogie-woogie solía interpretarse con cantantes como acompañamiento en algunas bandas de música. Este estilo estaba caracterizado por una figura en forma de bajo, un ostinato o riff y un cambio de nivel en la mano izquierda, elaborando cada acorde y creando ornamentos con la mano derecha. El boogie-woogie fue desarrollado principalmente por el músico de Chicago Jimmy Yancey y por el trío de boogie-Woogie (Albert Ammons, Pete Johnson y Meade Lux Lewis). Los intérpretes de este género en Chicago incluían a Clarence Pine Top Smith y Earl Hines, el cual «enlazó los ritmos de la mano izquierda de los pianistas del ragtime con las figuras melódicas similares a las que interpretaba Louis Armstrong con la mano derecha».[36]
En los años cuarenta comenzó a desarrollarse el género jump blues, el cual estuvo influenciado por la música big band, utilizando el saxofón u otros instrumentos de viento, además de la guitarra, en las secciones rítmicas para crear un sonido jazzero y desacompasado con voces claramente marcadas. Las melodías jump blues de Louis Jordan y Big Joe Turner, de Kansas City, influenciaron el desarrollo de posteriores géneros como el rock and roll y el rhythm and blues.[37] Tanto el estilo suave de Louisiana de Professor Longhair como el más reciente de Dr. John, mezclaron el ritmo clásico con los géneros del blues.
Blues inicial de post-guerra
Tras la Segunda Guerra Mundial, y en los años cincuenta, los afroamericanos se trasladaron a las ciudades del norte de Estados Unidos y nuevos géneros musicales (como el blues eléctrico), se hicieron populares en ciudades como Chicago, Detroit y Kansas City. El blues eléctrico utilizaba guitarras amplificadas eléctricamente, bajos eléctricos, baterías y armónicas. Chicago se convirtió en el centro de este género a principios de los años cincuenta.
El Chicago blues está influenciado, en gran parte, por el género del Delta Blues, debido a la migración de intérpretes desde el estado de Misisipi. Howlin' Wolf, Muddy Waters, Willie Dixon y Jimmy Reed nacieron en Misisipi y se trasladaron a Chicago durante la Gran migración afroamericana. Su estilo estaba caracterizado por el uso de la guitarra eléctrica, la slide guitar, la armónica y una sección rítmica de bajo y batería. J. T. Brown, el cual tocó en las bandas de Elmore James o J. B. Lenoir, también utilizó saxofones, pero de forma secundaria en vez de utilizarlos como instrumentos principales.
Little Walter y Sonny Boy Williamson II, famosos armonicistas (denominados harp en el argot de los músicos de blues), pertenecen a la etapa inicial del Chicago blues. Otros armonicistas como Big Walter Horton también desempeñaron un papel importante en aquella etapa. Muddy Waters y Elmore James eran conocidos por su uso innovador de la slide guitar eléctrica. B. B. King y Freddie King, no utilizaban la slide guitar pero fueron guitarristas influyentes en el género del Chicago blues. Howlin' Wolf y Muddy Waters también eran conocidos por sus voces profundas y graves.
El bajista y compositor Willie Dixon desempeñó un papel importante en la escena del Chicago blues; compuso y escribió muchos temas de blues estándar de aquel periodo, como Hoochie Coochie Man, I Just Want to Make Love to You (ambos compuestos para Muddy Waters), Wang Dang Doodle (compuesto para Koko Taylor y Back Door Man (compuesto para Howlin' Wolf). La mayoría de los artistas del Chicago blues grabaron sus discos para el sello discográfico de Chicago Chess Records.
En los años cincuenta, el blues tenía una gran influencia en la música popular de masas de EE. UU. Mientras que músicos populares como Bo Diddley y Chuck Berry estuvieron influenciados por el Chicago blues, su estilo entusiasta a la hora de tocar se diferenciaba claramente de los aspectos melancólicos del blues. Precisamente, la forma de tocar de Diddley y Berry fue uno de los factores de influencia en la transición del blues al rock and roll. Elvis Presley y Bill Haley estuvieron más influenciados por el jump blues y el boogie-woogie, popularizando ambos el rock and roll dentro del segmento de población blanca de aquellos tiempos. El Chicago blues también influenció la música zydeco de Luisiana, en la cual Clifton Chenier utilizaba acentuaciones blues. Los músicos del género zydeco utilizaban guitarras eléctricas y arreglos cajún basados en los estándares del blues.
Otros artistas de blues, como T-Bone Walker y John Lee Hooker, no estuvieron influenciados directamente por el subgénero de Chicago. Nacido en Dallas, T-Bone Walker suele asociarse con el West Coast blues, el cual es más suave que el Chicago blues y ofrece una transición entre el Chicago blues, el jump blues y el swing, con cierta influencia en las guitarras del jazz. El blues de John Lee Hooker es más personal, basado en su voz profunda y en el único acompañamiento de una guitarra eléctrica; a pesar de no estar influenciado directamente por el boogie-woogie, el género suele denominarse guitar boogie. Su primer éxito Boogie Chillen alcanzó el número 1 en las listas de R&B en 1949.[38]
Hacia finales de los años cincuenta, el swamp blues se desarrolló cerca de Baton Rouge, con intérpretes como Slim Harpo, Sam Myers y Jerry McCain. Este género tenía un ritmo más lento y utilizaba la armónica de forma más simplificada que las interpretaciones realizadas por artistas del Chicago blues tales como Little Walter o Muddy Waters. Algunas canciones de este género son Scratch my Back, She’s Tough y King Bee.
Blues en los años sesenta y setenta
Al principio de los años sesenta, los géneros musicales influenciados por la música afroamericana, como el rock and roll y el soul, ya formaban parte de la música popular estadounidense. Los intérpretes caucásicos habían llevado la música afroamericana a nuevas audiencias, tanto en Estados Unidos como en el resto del mundo. En Reino Unido, las bandas de músicos emulaban a las leyendas del blues estadounidense, y a lo largo de la década el blues inglés desempeñó un importante papel de recuperación de cantantes afroamericanos al llevarlos a Europa y reinterpretar sus temas clásicos.
Bluesmen como John Lee Hooker y Muddy Waters siguieron tocando para sus admiradores entusiastas e inspirando a nuevos artistas en el campo del blues tradicional, como el músico nacido en Nueva York, Taj Mahal. John Lee Hooker mezcló su estilo de blues con elementos del rock y empezó a tocar con jóvenes músicos blancos, creando un género musical que puede escucharse en el disco de 1971 Endless Boogie. La técnica virtuosa de B. B. King le valió el apodo de Rey del Blues. A diferencia del subgénero de Chicago, la banda de King utilizaba soporte de viento (en forma de saxofón, trompeta y trombón), en vez de utilizar únicamente la slide guitar y la armónica. El cantante de Tennessee, Bobby 'Blue' Bland, al igual que B. B. King, también mezcló los géneros musicales del blues y del rhythm and blues.
La música de los movimientos por 'los derechos civiles' y por 'la libertad de expresión' impulsó en Estados Unidos un resurgir del interés por las raíces de la música estadounidense y por los inicios de la música afroamericana. Festivales de música, como el Newport Folk Festival, llevaron el blues tradicional a nuevas audiencias, e hicieron que resurgiera el interés por el blues acústico de pre-guerra y por las grabaciones de intérpretes como Son House, Mississippi John Hurt, Skip James y Reverend Gary Davis; muchas de estas grabaciones fueron reeditadas, entre otras, por la compañía discográfica Yazoo Records. J. B. Lenoir, perteneciente al movimiento del Chicago blues de los años cincuenta, grabó varios vinilos con guitarras acústicas, en los que contó con el acompañamiento ocasional de Willie Dixon al bajo acústico o a la batería; sus canciones hablaban de problemas políticos como el racismo o la guerra de Vietnam, lo cual no era muy usual por aquella época. La grabación de su tema Alabama blues dice lo siguiente:
I never will go back to Alabama, that is not the place for me. [2x]
You know they killed my sister and my brother,
and the whole world let them peoples go down there free.
Original en inglés
Nunca volveré a Alabama, ese no es el lugar para mí [bis]
Sabes que mataron a mi hermana y a mi hermano,
y el mundo entero dejó a esa gentuza largarse por ahí libres.
Traducción al español
El interés de las audiencias caucásicas por el blues durante los años sesenta se incrementó debido al movimiento liderado por el grupo Paul Butterfield Blues Band y por el blues británico (British Blues). Este género, promovido principalmente por Alexis Korner, se desarrolló en Reino Unido, donde grupos como Fleetwood Mac, John Mayall & the Bluesbreakers, The Rolling Stones, The Yardbirds y Cream interpretaron canciones clásicas de blues de los subgéneros Delta blues y Chicago blues.
Los músicos británicos de blues de principios de los años sesenta inspiraron, a su vez, a un número de intérpretes estadounidenses de blues-rock, incluyendo a Canned Heat, Janis Joplin, Johnny Winter, The J. Geils Band y Ry Cooder. Gran parte de los primeros éxitos del grupo británico Led Zeppelin fueron tributos a canciones tradicionales de blues. Un intérprete de blues-rock, Jimi Hendrix, fue una rareza en su campo por aquellos tiempos: un negro que tocaba 'rock psicodélico'; Hendrix fue un guitarrista virtuoso y un pionero en el uso de la distorsión y el 'feedback' en su música.[] A través de éstos y de otros artistas, la música blues influenció el desarrollo de la música rock.
A finales de los años sesenta, el West Coast blues emergió en Chicago con Magic Sam, Magic Slim y Otis Rush; su principal característica fue el basarse en un soporte rítmico otorgado por una guitarra rítmica, un bajo eléctrico y batería. Albert King, Buddy Guy y Luther Allison fueron componentes de este género, el cual estaba dominado por una guitarra eléctrica principal amplificada.
Blues desde los años ochenta hasta hoy
Desde los años ochenta se ha experimentado un resurgir en el interés por el blues por parte de cierto sector de la población afroamericana, principalmente en la zona de Jackson y en otras regiones del 'sur profundo'. El soul blues, denominado comúnmente soul sureño, tuvo un éxito inesperado gracias a dos grabaciones del sello discográfico Malaco asentado en Jackson: el tema de Z. Z. Hill Down Home Blues (1982) y el tema de Little Milton The Blues is Alright (1984). Entre los intérpretes afroamericanos contemporáneos que trabajaron por este resurgir puede nombrarse a Bobby Rush, Denise LaSalle, Sir Charles Jones, Bettye LaVette, Marvin Sease, Peggy Scott-Adams, Billy Soul Bonds, T. K. Soul, Mel Waiters y Willie Clayton. La red de cadenas de radio de blues de EE. UU., fundada por Rip Daniels (un ciudadano negro de Misisipi), emitió soul blues en sus emisiones y contó con la presencia de personalidades de la radio como Duane DDT Tanner y Nikki deMarks.
Desde 1980, el blues ha continuado tanto en su forma tradicional como dando paso a nuevos géneros. El Texas blues nació con la utilización de guitarras tanto para roles rítmicos como en solitario. A diferencia del West Coast blues, el género tejano está influenciado principalmente por el movimiento rock-blues británico. Artistas de renombre del Texas blues son Johnny Winter, Stevie Ray Vaughan, The Fabulous Thunderbirds y ZZ Top. Los años ochenta también vieron el renacer de la popularidad de John Lee Hooker, realizando colaboraciones con Carlos Santana, Miles Davis, Robert Cray y Bonnie Raitt, entre otros. Eric Clapton, famoso por sus actuaciones con los Blues Breakers y Cream, grabó en los años noventa su disco MTV Unplugged, en el cual interpretó varios temas blues con una guitarra acústica. Desde entonces ha rendido tributo a este estilo con discos que pueden considerarse totalmente de blues, como From the Cradle o Me and Mr. Johnson, y que han acercado el género al gran público.
En los años ochenta y noventa comenzaron a distribuirse publicaciones de blues como Living Blues y Blues Revue, formándose asociaciones de blues en las principales ciudades, festivales de blues al aire libre y[40] aumentando el número de clubes nocturnos y edificios asociados al blues.[41]
En los años noventa, los intérpretes de blues exploraron un amplio rango de géneros musicales, como puede verse en las nominaciones para los premios anuales Blues Music Awards, denominados con anterioridad W. C. Handy Awards,[42] o en las nominaciones para los premios Grammy en las categorías de Mejor disco de blues contemporáneo y Mejor disco de blues tradicional. La música blues contemporánea está representada por varios sellos discográficos como Alligator Records, Blind Pig Records, MCA, Delmark Records, Delta Groove Music, NorthernBlues Music y Vanguard Records, siendo algunos de los más famosos por haber redescubierto y remasterizado rarezas del blues Arhoolie Records, Smithsonian Folkways Recordings, Yazoo Records y Document Records.[]
Hoy en día, los jóvenes artistas de blues están explorando todos los aspectos de este género musical, desde el clásico Delta blues hasta el blues más orientado al rock; artistas que nacieron a partir de los años setenta como Shemekia Copeland, Jonny Lang, Corey Harris, John Mayer, Vargas Blues Band, Susan Tedeschi y North Mississippi Allstars han desarrollado sus propios estilos.[]
Repercusión musical
Los géneros musicales del blues, sus estructuras, melodías y la escala blues han influenciado a muchos otros géneros musicales como el rock and roll, jazz y la música pop. Artistas renombrados del jazz, folk o rock and roll como Louis Armstrong, Duke Ellington, Miles Davis, Bob Dylan y The White Stripes tienen en su haber varias grabaciones importantes de blues. La escala blues suele utilizarse en canciones populares como la del músico Harold Arlen Blues in the Night, baladas blues como Since I Fell for You y Please Send Me Someone to Love e incluso en trabajos de orquesta como las obras de George Gershwin Rhapsody in Blue y Concerto en fa.
La escala blues está presente en gran parte de la música popular moderna, especialmente la progresión de terceras utilizada en la música rock (por ejemplo en el tema A Hard Day’s Night de The Beatles). Las estructuras blues se utilizan en cabeceras de series de televisión como el éxito Turn Me Loose del teen idol Fabian en la serie Batman, en temas country como los interpretados por Jimmie Rodgers e incluso en temas famosos de guitarristas o vocalistas como el de Tracy Chapman Give Me One Reason.
El blues puede bailarse como un tipo de swing, sin patrones fijos de movimiento y centrándose en la sensualidad, el contacto corporal y la improvisación. La mayoría de los movimientos de baile del blues están inspirados en la música blues tradicional. A pesar de que el baile de blues suele realizarse con temas blues, éste puede realizarse con cualquier música que tenga un ritmo lento de 4/4.
El origen del rhythm and blues puede seguirse hasta los espirituales y el blues. Musicalmente, los espirituales fueron descendientes de la tradición coral de Nueva Inglaterra, en particular de los himnos de Isaac Watts y la mezcla de ritmos africanos junto con patrones musicales de llamada y respuesta. Los espirituales, o cánticos religiosos, de las comunidades afroamericanas, están más y mejor documentados que los blues low-down (o blues depresivos). El canto espiritual se desarrolló debido a que las comunidades afroamericanas podían llegar así a reunir a más personas en sus reuniones, las cuales eran denominadas encuentros en el campo.
Los primeros bluesmen country, además de estar influenciados por el canto espiritual, intepretaron música country y blues urbano; algunos de estos músicos inclúyen a Skip James, Charlie Patton y Georgia Tom Dorsey. Dorsey ayudó a popularizar la música gospel, género que se desarrolló en los años treinta gracias al grupo Golden Gate Quartet. En los años cincuenta, la música soul (con artistas como Sam Cooke, Ray Charles y James Brown) ya utilizaba elementos del gospel y del blues. En los años sesenta y setenta, el gospel y el blues se fusionaron en la música soul blues. El género funk de los años setenta tuvo grandes influencias del soul; así mismo, el funk puede considerarse como el antecesor del hip hop y del rhythm and blues contemporáneo.
Antes de la Segunda Guerra Mundial, las fronteras entre el jazz y el blues no estaban claras. Generalmente, el jazz utilizaba estructuras armónicas distintas a la estructura de doce compases asociada al blues, sin embargo, el subgénero jump blues de los años cuarenta juntó ambos géneros. Tras la Segunda Guerra Mundial, el blues tuvo una gran influencia en el jazz: clásicos del bebop, como el tema de Charlie Parker Now's the Time, utilizaron las estructuras blues con la escala pentatónica y las notas blues.
El bebop marcó un gran cambio en el papel del jazz, convirtiéndolo de un género musical popular para bailar a un «alto grado», «menos accesible y cerebral música para los músicos». La audiencia para ambos géneros, jazz y blues, se dividió y la distinción entre ambos géneros quedó claramente definida. Los artistas que se mueven entre la frontera del jazz y el blues se engloban dentro del subgénero denominado jazz blues.
La estructura de doce compases y la escala blues fueron una gran influencia para el rock and roll. Un claro ejemplo de ello es el tema de Elvis Presley Hound Dog (un tema blues transformado en una canción rock and roll), el cual mantiene una estructura de doce compases (tanto en armonía como en letra) y una melodía centrada en la tercera de la tónica (además de en la séptima de la subdominante).
Muchos de los primeros temas de rock and roll están basados en el blues: Johnny B. Goode, Blue Suede Shoes, Whole Lotta' Shakin' Going On, Tutti-Frutti, Shake, Rattle, and Roll, What’d I Say y Long Tall Sally; así mismo, gran parte de estos temas retuvieron la temática sexual y los innuendos de la música blues e incluso el argumento de la canción Hound Dog contiene referencias sexuales escondidas entre la letra y dobles sentidos en algunas de sus palabras. Algunos ejemplos de esta temática son:
Got a gal named Sue, she knows just what to do
(Tutti Frutti de Little Richard). Original en inglés
Tengo una chica llamada Sue; ella sabe exactamente qué hacer
Traducción al español
See the girl with the red dress on, she knows how to do it all night long
(What I'd say de Ray Charles). Original en inglés
Mira a la chica con el vestido rojo, sabe cómo hacerlo durante toda la noche
Traducción al español
Posteriormente, un rock blanco más maduro, tomó prestada la estructura y las armonías del blues, a pesar de haber menos franqueza sexual y una pobre creatividad armónica (por ejemplo el tema de Bill Haley Rock Around the Clock). Gran parte de los músicos blancos que tocaron temas de artistas negros cambiaban ciertas palabras de las letras: un ejemplo corresponde al cambio que introdujo Pat Boone, en su interpretación del tema Tutti Frutti, modificando la letra original («Tutti frutti, loose booty... a wop bop a lu bop, a good Goddamn») por una versión más moderada.
Repercusión social
Al igual que el jazz, el rock and roll, el heavy metal y el hip hop, el blues ha sido acusado de ser la «música del diablo» y de incitar a la violencia y a todo tipo de comportamientos delictivos.[45] Durante los años veinte (periodo en el cual la audiencia blanca comenzó a interesarse por la música blues) este género gozaba de mala reputación,[46] siendo W. C. Handy el primer músico en mejorar la imagen del blues ante el resto de los estadounidenses que no eran negros.
Hoy en día, el blues es uno de los principales componentes de la cultura afroamericana y de la herencia cultural estadounidense en general, reflejándose dicha importancia no sólo en estudios universitarios[47] sino también en películas como Sounder,[] The Blues Brothers,[] Crossroads[50] y O Brother, Where Art Thou[] (película en la que aparece caracterizado, con ciertas licencias, el guitarrista de blues Robert Johnson). Las películas de The Blues Brothers, en las cuales se entremezclan varios géneros musicales relacionados con el blues como el rhythm & blues o el zydeco, han tenido un gran impacto en la imagen de la música blues (a pesar de que la música de la película más famosa, la primera, es principalmente rhythm and blues); así mismo, dichas películas promocionaron la canción de blues tradicional Sweet Home Chicago, valiéndose de la versión más conocida atribuida a Robert Johnson, al estatus de himno no oficial de la ciudad de Chicago.
En el año 2003, Martin Scorsese realizó un esfuerzo importante para promocionar el blues, solicitando a directores de cine famosos, como Clint Eastwood y Wim Wenders, que participaran en una serie de películas denominadas The Blues.[52] Scorsese también participó en un tributo a los artistas más importantes del blues a través de la edición de varios discos compactos de música.

ROBERTH JOHNSON Y SU LEYENDA CROSSROAD


Publicado el 07 de Diciembre de 2008
Robert Johnson, la gran influencia
Archivado en Música por Rafisnicov
SU HISTORIA
Poco sabemos de él… sin el blues no existiría el rock. Y sin gente como Robert Johnson el blues quizá careciese de la significación musical y legendaria que posee.
Nació el 8 de mayo de 1911 en la población de Hazlehurst, estado de Mississipi, Estados Unidos. Su madre, Julia Major Dodds, estaba separada de su marido, Robert Dodds, con quien había tenido diez hijos. El padre de Robert fue Noah Johnson, un trabajador de las plantaciones. No se sabe cómo aprendió música, pero con veinte años ya se le consideró un carismático maestro.
Robert manifestó desde temprana edad una gran habilidad para tocar la armónica e incluso el arpa, pero resultaba bastante limitado con las seis cuerdas. Sin embargo él lo tenía muy claro, quería tocar la guitarra como sus grandes ídolos Son House, Willie Brown, Lonnie Johnson, Ike Zinneman, Charly Patton o Skip James, todos grandes músicos del área del Mississipi.

En 1929 Robert se casó con una joven muchacha llamada Virginia Travis, pero su relación no duraría mucho, puesto que fallecería un año después intentando dar a luz. A raíz de esto desapareció del mapa, dedicándose a una vida nómada. Tras numerosas desventuras volvió a coincidir con sus maestros Willie Brown y Son House en Robinsonville. La sorpresa llegó cuando Robert comenzó a tocar la guitarra, pero esta vez de manera brillante y asombrosa, maravillando a sus ídolos con su portentosa técnica.
Son House lo tenía claro, el joven Johnson había vendido su alma al diablo en un cruce de caminos de Clarksdale (entre el 49 y 61) para aprender a tocar de esa manera. Era increíble el progreso técnico, la alígera manera en como deslizaba sus dedos por las cuerdas y la profundidad emocional que había alcanzando la interpretación de Robert Johnson en tan poco tiempo. Además introdujo la frase de bajo boggie tocada en las cuerdas graves de la guitarra, lo cual define prácticamente la guitarra blues en la actualidad. Añade a eso un repertorio de bajadas, vueltas atrás y repeticiones y Johnson había llevado a la guitarra al siguiente nivel.
Según cuenta la historia, a principios de los años 60, cuando los Rolling Stones comenzaban, Keith Richards enseño a Mick Jagger un disco de Robert Johnson. Jagger lo escuchó y le preguntó quién era el bajo. Keith se rió y le dijo que no había ninguno. Lo que Johnson estaba haciendo era tocar una especie de frase de bajo utilizando el dedo pulgar sobre las tres cuerdas graves de la guitarra, mientras tocaba la melodía en las dos cuerdas más agudas, todo al mimo tiempo.
Robert se dedicó a recorrer gran parte de la zona sureña, compartiendo cartel con grandes bluesmen de la época, y encandilando con su manera de tocar a todos los presentes. Pero no se dedicaba exclusivamente a la guitarra, era también un consumado mujeriego. En el mes de agosto de 1938 llegó la tragedia; mientras actuaba junto a “Honey Boy” Edwards en el local “Three Forks”, ubicado en Grenwood, Johnson se había ligado a una guapa joven que resultó que estaba casada. El cornudo marido terminó envenenando aquella noche el whisky de Robert.
En la agonía de su muerte, que duraría tres días, Robert Johnson convulsionaba y aullaba como un lobo antes de fallecer a la edad de 27 años el 16 de agosto de 1938.
Afortunadamente para todos nosotros, Robert Johnson entre 1936 y 1937, por mediación de Ernie Oertle y gracias a la producción de Don Law del sello Vocalion, registró gran parte de su obra, entre las que se encuentran históricos temas como “Terraplane blues”, “Sweet home Chicago”, “Preachin’ blues”, “Kind hearted woman blues”, “Stop breaking down”, “Come on in my kitchen”, “Love in vain”, “Rambling on my mind”, “Me and the devil blues” o “Crossroads”.

LEGADO
Su testamento sonoro fue esencial para el desarrollo del blues, retomando su estilo gente como Elmore James, B. B. King o Muddy Waters, y del rock, influyendo entre sus seguidores a gente como Eric Clapton, Jimi Hendrix, Brian Jones o Keith Richards. Entre sus muchos admiradores, los Rolling Stones versionaron sus temas “Love in vain” y “Stop breaking down”, Bob Dylan “Kind hearted woman blues”, los Allman Brothers “Come on in my kitchen”, Stephen Stills “Crossroads”, Led Zeppelin “If I had possesion over judgement day” o “Travelling riverside blues”, Grateful Dead “Walking blues”, White Stripes “Stop breakin down”, Beck “Last fair deal gone down” y por supuesto, Eric Clapton, quien adaptó casi todas sus canciones.
CURIOSIDADES
En la película “O brother, where art thou?” de los hermanos Coen aparece un personaje libremente basado en la figura de Robert Johnson.
Ocupó el 5º puesto en la lista de “Los 100 más grandes guitarristas de todos los tiempos” de la revista Rolling Stone. Fue incluido en el Salón de la fama del Rock and Roll en 1986 en la categoría de “Early Influence” (Influencias tempranas).
Cuando se reunieron sus escasas grabaciones en un doble CD en 1990 se vendieron más de un millón de ejemplares.
Eric Clapton lo llama “el más importante músico de Blues que haya vivido”.
MÚSICA





SONNY WILLIAMSON














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KEEP IT TO YOURSELF







Baby, do me a favor, keep our business to yourself.Please, darling, do me a favor, keep our business to yourself.I don't want you to tell nobody in your family,And don't mention it to nobody else.Don't tell your mother,Don't tell your father,Don't tell your sister,Don't mention it to your brother,Please, darling, keep our business to yourself.Don't you tell nobody,And don't mention it to nobody else.You have a husband,I have a wife,If you start to talkin,That's gonna mess up our life,Please, please baby, keep our business to yourself.Don't you tell nobody,And don't mention it to nobody else.Goodbye darlin.







Baby, me hagas un favor, mantener nuestro negocio para usted mismo.Por favor, cariño, hazme un favor, mantener nuestro negocio para usted mismo.No quiero que le digas a nadie en su familia,Y no se menciona a nadie más.No le digas a tu madre,No le digas a tu padre,No le digas a tu hermana,No mencionar a su hermano,Por favor, querido, mantener nuestro negocio para usted mismo.¿No le digas a nadie,Y no se menciona a nadie más.Usted tiene un esposo,Tengo una esposa,Si usted comienza a hablar,Que va a estropear nuestra vida,Por favor, por favor, bebé, mantener nuestro negocio para usted mismo.¿No le digas a nadie,Y no se menciona a nadie más.Adiós querida.







NINE BELOW ZERO







IM A LONELY MAN







BYE BYE BIRD







WHATS GONNA HAPPENS







CARELESS LOVE






Aleck Ford (más tarde, Rice Miller), conocido como Sonny Boy Williamson II (Glendora, Misisipi, 5 de diciembre de 1897 (?) - Helena, Arkansas, 25 de mayo de 1965) fue un poeta, músico, cantante y cantautor estadounidense, que ha sido considerado como la última leyenda del blues.[1]
No debe ser confundido con John Lee Williamson, conocido como Sonny Boy Williamson



Aleck Ford nació en la plantación de Sara Jones cerca de Glendora en Tallahatchie County, Misisipi. Parece ser que su fecha de nacimiento es dudosa, pues aunque él afirmó haber nacido el 5 de diciembre de 1899, un investigador, David Evans, afirma haber encontrado pruebas en el censo de registro de que nació alrededor de 1912. Sin embargo, en la lápida de Miller aparece como fecha de su nacimiento el 11 de marzo de 1908.
Comienzos [editar]
Vivió y trabajó con el aparcero Jim Miller, su padrastro, de quien adoptó su apellido, y con su madre, Millie Ford, hasta principios del decenio de 1930. A partir de la década de 1930, viajó alrededor de Misisipi y Arkansas, trabajando con grandes artistas como Big Joe Williams, Elmore James y Robert Lockwood, Jr.. Durante este período también se asoció con Robert Johnson. Miller desarrollaría su estilo y personalidad durante estos años.
Carrera [editar]
En 1941 Miller fue contratado para actuar en el espectáculo King Biscuit Time , la publicidad de una marca de galletas en la estación de radio en KFFA en Helena con Lockwood. Fue en este momento que el productor del programa de radio , Max Moore, comenzó a denominar a Miller como Sonny Boy Williamson, al parecer en un intento de capitalizar la fama del conocido cantante e intérprete de armónica en Chicago, John Lee Williamson, con el mismo nombre artístico.
Trabajó al lado de artistas de la categoría de Muddy Waters, Willie Dixon, Jimmy Rogers y Otis Spann.
A comienzo de los años 1960 permaneció algún tiempo en Inglaterra, donde grabó con numerosos grupos y artistas, como The Animals y Jimmy Page.
Discografía parcial
Entre sus LP's destacan:
This is my story
Bummer road
One way out
Sonny Boy Williamson








Fácilmente el intérprete de armónica más importante de la era pre-guerra, John Lee Williamson, casi por sí solo hizo el órgano de boca de un instrumento humilde lugar digno para las bandas de blues - a la vanguardia de las innovaciones impresionantes de Little Walter y un pelotón de otros a seguir. Si no fuera por su trágica muerte en 1948 cuando se dirigía a casa de una planta desmotadora de Chicago, Williamson, sin duda, habría estado allí con ellos, explorando nuevas direcciones y emocionante.
Con seguridad se puede observar que Williamson hizo la mayor parte de su tiempo limitado en el planeta. Ya eres un virtuoso del arpa en su adolescencia, el primer chico Sonny (Rice Miller apruebe el monicker mismo en el Delta) extraídas de Hammie Nixon y Noah Lewis y divagando con Sleepy John Estes y Yank Rachell antes de establecerse en Chicago en 1934.
Extrema versatilidad de Williamson y el ingenio consistente le ganó un contrato de grabación Bluebird en 1937. Bajo la dirección de la omnipresente Lester Melrose, Sonny Boy Williamson registrado prolíficamente para Víctor como líder y detrás de otros en el establo Melrose mayoría (incluyendo a Robert Lee McCoy y Big Joe Williams, quien a su vez juega en algunos de los lados de Williamson).
Williamson empezó su carrera musical sensacional con un golpe contundente. Su oferta de voz por primera vez en Bluebird fue la seminal "Good Morning School Girl", cubierto infinidad de veces a través de las décadas. Esa misma fecha propicia también produjo "Sugar Mama Blues" y "Blue Bird Blues", ambos igual de clásico en su propio derecho.
El año siguiente trajo más joyas, como "Decoración Blues" y "Whiskey Headed Woman Blues". La producción de 1939 incluyeron "TB Blues" y "Tell Me Baby", mientras que Williamson corte "Mi pequeña máquina" y el "Jivin 'Blues" en 1940. Jimmy Rogers aparentemente tomó nota del "Williamson Sloppy Drunk Blues", corte con el pianista Blind John Davis y el bajista Ransom Knowling en 1941; Rogers adaptó la melodía en el asalto a la moda de Ajedrez en 1954. 1941's motherlode también incluyó "Ground Hog Blues" y "My Name Negro", mientras que el popular "Stop Breaking Down" (1945) encontró el arpista respaldada por el guitarrista Tampa Red y el pianista Big Maceo.
Sonny Boy cortar más de 120 partes en todos para el sello RCA 1937 a 1947, muchos de ellos apareciendo en los repertorios de la posguerra de varios gigantes de blues de Chicago. Su llamada y estilo de respuesta de voz alterna pasajes con ráfagas de armónica picante fue un acontecimiento de proporciones gigantescas que se aprobará a través de-la-Junta de arpista prácticamente todos los blues de seguir su estela.
Sin embargo, Sonny Boy Williamson no viviría para obtener algún tipo de recompensa apreciable de sus inventos. Murió a la edad de 34 años, mientras que en el cenit de su popularidad (su retozando "Shake That Boogie" era un nacional de I + B 'en 1947 sobre Víctor), de un apaleamiento violentos en la cabeza que se produjo durante un robo de mano dura en el lado sur. "Es mejor dejar eso", otro rockero asalto más tarde consignados por Junior Wells, se convirtió en un éxito póstumo de Williamson a finales de 1948. Fue la última canción que había cometido a la posteridad. Wells fue sólo un arpista jóvenes para mostrar su lealtad permanente, un adolescente de Billy Boy Arnold recientemente había reunido el valor para llamar a la puerta de su ídolo para pedirle lecciones. La acogida de Sonny Boy Williamson se mostró muy feliz de hacerlo, una bondad Arnold nunca ha olvidado (ni tampoco dejar de rendir homenaje a su principal hombre eterno cada vez que puede). Tal es el legado duradero de harmonicist grandes del blues 'primero.


BIG MAMA THORNTON



Willie Mae Thornton (Montgomery (Alabama), 11 de diciembre de 1926Los Ángeles, 25 de julio de 1984), Big Mama Thornton, cantante estadounidense de blues y de rhythm and blues. Tocó también la armónica y la batería. Prototipo de vocalista de blues, su voz es apasionada y exuberante, tendente a los desplazamientos de volumen. Su fuerte sentido de la independencia, la privó probablemente de haber conseguido más contactos que hubiesen impulsado una carrera no excesivamente exitosa. Entre las influencias que se le pueden apreciar están las de Bessie Smith, Ma Rainey, Mahalia Jackson y Julia Lee. Fue la primera en obtener un gran éxito con la canción "Hound Dog" en 1952. El tema fue número uno en Billboard charts durante siete semanas
Biografía [editar]
Su padre fue predicador y su madre cantaba en la iglesia. Los comienzos de Thornton se produjeron en la iglesia, pero en vez de dedicarse al gospel prefirió el blues. Cuando cumplió los 14, abandonó su casa para realizar una gira con la Hot Harlem Revue de Sammy Green durante los años cuarenta, permaneciendo en este espectáculo hasta 1948 cuando recaló en Houston. Nadie la enseñó ni a cantar ni a tocar la armónica y la batería.
Thornton realizó su primera grabación en 1950 para un pequeño sello de Houston. La grabación se hizo bajo el nombre de los Harlem Stars, aunque con Willie Mae cantando. En 1951 se introdujo definitivamente en el circuito musical de Houston cuando firmó con Peacock Records. Debutó ese mismo año con "Partnership Blues", acompañada por la banda del trompetista Joe Scott. Durante su estancia en Houston conoció y observó a muchos de los grandes blusistas como Junior Parker, quien la influiría enormemente en su estilo de armónica, a Lightning Hopkins, Lowell Fulson, Clarence Gatemouth Brown y muchos otros.
Fue su tercer trabajo para Peacock, con la banda de Johnny Otis, con el que consiguió triunfar en 1952; sobre todo, con la canción Hound Dog, que más tarde cantaría Elvis Presley.
En todo caso, fue algo accidental. A pesar de otros buenos trabajos, "I Smell a Rat", "Stop Hoppin' on Me", "The Fish", "Just like a Dog", nunca más volvió a tener un éxito semejante. A comienzos de los sesenta, sus trabajos para Irma, Bay-Tone, Kent y Sotoplay no fueron muy exitosos, pero una serie de títulos para Arhoolie Records y Mercury en 1968-1970 consiguieron revitalizar su carrera. Sus restos se encuentran en el Cementerio Inglewood Park de Los Ángeles, California.]







Se interesó en la música debido a la influencia de sus padres, ambos muy comprometidos con la Iglesia local; su padre como ministro y su madre como cantante del coro. A mediados de los 40 inició su experiencia en el mundo de la música como miembro de una revista itinerante llamada ‘Green's Hot Harlem Revue’, que se dedicaba a hacer one nighters a través del Sur. En 1948 se trasladó a Houston, y actuó en night clubs como el Bronze Peacock, propiedad de Don Robey, de Peacock Records. Su primera aparición en disco lo fue en 1950, con un grupo llamado The Harlem Stars, en E&W Records #100, con las canciones "All Right Baby" y "Bad Luck Got My Man".

En 1951 Thornton inició una larga conexión con el sello Peacock de Don Robey. La primera publicación del verano de ese año fue "Partnership Blues" y "All Fed Up" en #1567. Su siguiente grabación en Peacock fue en Diciembre con la banda de Bill Harvey, y las canciones "No Jody For Me" y "Let Your Tears Fall Baby" en #1587. Willa Mae hizo un Holiday Show en el Bronze Peacock de Houston con Billy Wright, Marie Adams y Jimmy McCracklin. "Let Your Tears Fall Baby" vendió bastante bien.

"Everytime I Think Of You" y "Mischievous Boogie", grabados con la Joe Scott Orchestra, fue lanzado en #1603. Thorton fue calificada como la "house rocker and show stopper" de Peacock Records en anuncios en la prensa musical. En Octubre, Thornton se fue con Johnny Otis por la Costa Oeste e inició una gira por Texas en las vacaciones. Al final del año "Everytime" funcionaba bien en Atlanta y Florida. En Enero de1953 Willa Mae prepare una gira con Johnny Ace y su banda, y también sacó su nueva edición Peacock. Aquello iba a cambiar el aspecto de la música en los años posteriores.

"Hound Dog" y "Nightmare" salieron en #1612, grabados con la banda de Johnny Otis. "Hound Dog" llamó la atención inmeditamente y todo hacía presagiar que iba a ser un hit nacional. Rufus Thomas grabó rápidamente una answer song titulada "Bear Cat" en Sun #181. Pero la grabación de Thornton tuvo un éxito tan descomunal que Peacock Records tuvo que recurrir a tres nuevas plantas de prensaje, trabajando a tiempo completo, para tratar de cubrir la demanda del disco. Los compositors del tema, los veinteañeros Jerry Leiber y Mike Stoller, tuvieron que recurrir a sus madres como tutoras para las regalías obtenidas del disco, y de buen número de cover versions que se hicieron de él. Hacia mitad del verano, era obvio que "Hound Dog" iba a ser el disco de mayor venta de la historia de Peacock Records.

En Agosto, Willa Mae apareció con Johnny Ace y su banda en el Shrine Auditorium en Los Angeles, en el Fourth Annual Rhythm & Blues Jubilee. Willa Mae y Johnny Ace hicieron una gran gira de costa a costa en el otoño. A finales de Septiembre, después del incredible recorrido de "Hound Dog", Willa Mae Thornton grabó su (segundo) tema distintivo: "They Call Me Big Mama" en #1621, con la banda de Johnny Otis, con Don Johnson en la trompeta, George Washington al trombón, James van Streeter sal saxo tenor, Fred Ford al saxo barítono, Devonia Williams al piano, Pete Lewis a la guitarra, Albert Winston al bajo, Leard Bell a la batería drums, y Johnny Otis al vibráfono y palos.

A finales de Octubre, Thornton y Johnny Ace aparecieron en el Apollo Theater de New York en su primer show en el Este, y después se les añadieron Little Junior Parker & his Blue Flames en la gira. Espoleados por el éxito de sus discos gospel, de "Hound Dog" y de Johnny Ace, Peacock y Duke Records se trasladaron a su Nuevo cuartel general en Erastus Street, en Houston. La noche de Acción de Gracias en Houston, B. B. King se unió al Ace-Thornton-Parker show. A finales de año Peacock lanzó "The Big Change" y "I Ain't No Fool Either" en #1626, y un dueto con Johnny Ace, "Yes Baby" en Duke #118 ( el flip era "Saving My Love For You" con Johnny Ace sin ‘Mama’). Willa Mae inició 1954 con una gira por el Suroeste con Johnny Ace y la banda del batería C. C. Pinkston. En Marzo Thornton y Ace se detuvieron una semana en el Pep's de Filadelfia, acompañados por la banda de Johnny Board, seguido de otra semana en el Apollo Theater de New York. Después recorrerían Ohio y el Medio Oeste. En Abril "I Smell A Rat" y "I've Searched The World Over" fueron publicados en Peacock #1632. En Junio "I Smell A Rat" vendía bien y consiguió unas grandes taquillas recorreindo las Carolinas.

En Agosto, cuando Thornton estaba de gira por el Suroeste, Peacock Records editó #1642, con "Stop Hopping On Me" y "Story Of My Blues". En Septiembre, "Hopping" estaba vendiendo a lo grande en Memphis y St. Louis. En Octubre, junto al equipo Ace - Thornton para un tour por la Costa Oeste, estaban Memphis Slim y Faye Adams. "Rockabye Baby" y "Walking Blues" fueron publicados en #1647. En Marzo de 1955 Peacock #1650 lanzó las canciones "Laugth Laugh Laugh" y "The Fish". En el transcurso del año Willa Mae sacó "How Come" y "Tarzan And The Dignified Monkey" con Elroy Peace como vocalista en #1654. Para 1956 el rock 'n roll había aterrizado y cuando la nueva sensación, Elvis Presley, grabó "Hound Dog" ante el asombro internacional, Peacock volvió a publicar la versión original de Willa Mae Thornton en Peacock #1612. La grabación de Presley provocó una serie de acciones legales sobre los derechos de autor. A principios de 1957 "Just Like A Dog" y "My Man Called Me" fue publicada en #1681. Por entonces a Willa Mae Thornton se la veía como alguien que estaba fuera de la corriente principal del rock’n’roll y su asociación con Peacock Records finalizó.

"Big Mama" Thornton continuó haciendo apariciones personales siempre apoyada por su versión original de "Hound Dog", que generó una enorme difusión en el verano de 1958 y que provocó otra reedición de la original. A finales del año Thornton se había instalado definitivamente en la Costa Oeste y era contratada por muchos clubs de California como el Rhumboogie de Oakland, el Gateway de Santa Cruz, y el Basin Street West de San Francisco. En 1961 Willa Mae grabó la para el sello Bay Tone de Oakland con "You Did Me Wrong" y "Big Mama's Blues" en #107. A mediados de los 60 grabó para Sotoplay Records de Los Angeles: "Summertime" y "Truth Comes To The Light" en #0033, y "Tomcat" en #0039. Willa Mae mostraba su talento con la armónica en "Before Day" y "Me And My Chauffeur" para Kent #424. Además del ‘Mississippi Saxophone’ (armónica) Thornton también era adicta a la batería.

Grabaciones adicionales en los 60 incluyen a Fontana #681, con una nueva versión "Hound Dog", con Eddie Boyd y Buddy Guy en directo en un festival de blues festival en Hamburgo, Alemania. Willa Mae Thornton era entonces una asidua de los festivals de blues y de folk tanto en los EEUU como en Europa. En Londres, a finales de los 60, grabó álbumes para la etiqueta Arhoolie con Shakey Horton, Eddie Boyd y Buddy Guy, y otra sesión con Muddy Waters, James Cotton y Otis Spann, con "Ball 'n Chain", que sería versionada por Janis Joplin con gran repercusión. Grabaciones posteriores incluyen Lps para Mercury y Vanguard (los Lp's "Jail" y "Sassy Mama", con Buddy Lucas & his combo. Otros Lps de finales de los 70 incluyen "Saved" para Pentagram y "She's Back" para Backbeat. Apariciones continuadas en todos los mayores festivales de música (Newport, Monterey, Montreaux, etc.) le ganaron una nueva generación de fans. En 1983 Buddha Records editó "The Blues - A Summit Meeting" que unía a Thornton con B. B. King, Eddie ‘Cleanhead’ Vinson y Muddy Waters en el Newport Jazz Festival.

Las últimas grabaciones de Willa Mae Thornton lo fueron para el sello británico Ace, con un título tomado de una línea de "Hound Dog": «Quit Snoopin' 'Round My Door». El final para Thornton llegó en Julio de 1984, y el mundo perdió a uno de los talentos más originales de la música americana. Su talento sobrevive en sus múltiples Lps, disponibles la mayoría en CD, y en «Hound Dog - The Peacock Recordings» un CD esencial en la evolución de la música pop en el mundo. Con toda seguridad, Elvis escuchaba a Big Mama en su época...







2007
Big Mama Thornton
1994
The Complete OKeh Sessions 1952-55
Texas blues
Sony
1975
Jail (Live)
1975
Sassy Mama! (Live)
1973
Saved
1970
The Way It Is
1969
Stronger Than Dirt
1968
Ball 'n' Chain w/Lightnin' Hopkins
1967
Big Mama Thornton Vol. 2
1966
Big Mama Thornton With The Muddy Waters Blues Band
1966
Big Mama Thornton in Europe




B B KING
Su reinado como el rey del blues ha sido tan larga como la de cualquier monarca de la tierra. Sin embargo, B. B. King sigue llevando la corona bien. A los 76 años, sigue siendo la luz de pie, cantando y tocando el blues con pasión implacable. El tiempo no tiene efecto aparente en la BB, aparte de hacer lo más popular, más querido, más pertinente que nunca. No mires para él en una especie de semi-retiro; buscarlo en la carretera, jugando para las personas, apareciendo en multitud de anuncios de televisión, o el que se establecen las pistas para su próximo álbum. BB King está tan vivo como la música que toca, y un mundo agradecido, no pueden tener suficiente de él.
Por más de medio siglo a, Riley B. King - más conocida como BB King - ha definido el blues para un público mundial. Desde que comenzó la grabación en la década de 1940, ha grabado más de cincuenta discos, muchos de ellos clásicos. Nació el 16 de septiembre 1925, en una plantación en Itta Bena, Mississippi, cerca de Indianola. En su juventud, jugó en las esquinas por centavos y, a veces se desempeñan en al menos cuatro ciudades de la noche. En 1947, se auto-stop hasta Memphis, TN, para seguir su carrera musical. Memphis era donde todos los músicos importantes del Sur gravitaron, y que apoya una comunidad musical grande donde todos los estilos de la música afroamericana, se ha encontrado. BB se quedó con su primo Bukka White, uno de los artistas más famosos de blues de su tiempo, que BB más educados en el arte del blues.
El gran BB, por primera vez en 1948, cuando actuó en el programa de radio de Sonny Boy Williamson en KWEM de West Memphis. Esto dio lugar a enfrentamientos constantes en la Avenue Grill XVI en West Memphis, y más tarde a un niño de diez minutos en lugar de negro de personal y logró la estación de radio de Memphis WDIA. "Spot Rey," se hizo tan popular, se amplió y se convirtió en "Sepia Swing Club". Pronto B.B. necesitaba un nombre pegadizo de radio. Lo que comenzó como Beale Street Blues Boy se acortó a Blues Boy King, y, finalmente, BB King.
A mediados de la década de 1950, mientras que el BB se realiza en un baile en Twist, Arkansas, algunos ventiladores se convirtió en ingobernable. Dos hombres se enzarzaron en una pelea y atropelló a una estufa de queroseno, prendiendo fuego a la sala. BB corrió al exterior para la seguridad de todos los demás, entonces se dio cuenta que había dejado a su amada guitarra acústica dentro de 30 dólares, por lo que corrió hacia el interior del edificio en llamas para recuperarlo, escapando de la muerte. Cuando más tarde se enteró que la pelea había sido por una mujer llamada Lucille, decidió dar el nombre a su guitarra para recordarle que nunca a hacer una cosa loca, como la lucha por una mujer. Desde entonces, cada una de las guitarras marca Gibson de BB que se ha llamado Lucille.
Poco después de su éxito número uno, "Three O'Clock Blues", BB comenzó una gira a nivel nacional. En 1956, BB y su banda tocó en un sorprendente 342 de una sola noche. Desde el circuito Chitlin con sus pequeños cafés de la ciudad, juke joints, y salones de baile país a los palacios de rock, salas de conciertos sinfónicos, universidades, hoteles resort y anfiteatros, nacional e internacional, BB se ha convertido en el músico de blues más famosa de los últimos 40 años .
Con los años, BB ha desarrollado uno de los estilos de guitarra más identificables del mundo. Tomó prestado de Blind Lemon Jefferson, T-Bone Walker y otros, la integración de sus precisos y complejos como vocal curvas de cuerda y su vibrato mano izquierda, los cuales han convertido en elementos indispensables del vocabulario guitarrista de rock. Su economía, cada una de sus nota-cuenta fraseo, ha sido un modelo para miles de jugadores, de Eric Clapton y George Harrison a Jeff Beck. BB ha mezclado el blues tradicional, jazz, swing, pop y saltar en un sonido único. En palabras de BB, "Cuando canto, toco en mi mente, el momento en que dejar de cantar oralmente, empiezo a cantar tocando Lucille".
En 1968, BB jugado en el Newport Folk Festival y en el Bill Graham's Fillmore West en las facturas con los artistas más populares de rock contemporáneo de los días que idolatraba a BB y le ayudó a introducir a un público joven y blanca. En `` 69, BB fue elegido por los Rolling Stones para abrir 18 conciertos de América para ellos, Ike y Tina Turner también jugó el 18 de espectáculos.
BB fue incluido en el Salón de la Fama del Blues Foundation en 1984 y en el Rock and Roll Hall of Fame en 1987. Recibió NARAS Lifetime Achievement Grammy en 1987, y ha recibido doctorados honorarios de Tougaloo (MS) College en 1973, la Universidad de Yale en 1977, el Berklee College of Music en 1982, Rhodes College de Memphis, en 1990; Mississippi Valley State University en 2002 y la Universidad de Brown en 2007. En 1992, recibió el Premio Nacional de distinción de la Universidad de Mississippi.
En 1991, BB King's Blues Club abrió en la Calle Beale en Memphis, y en 1994, un segundo club fue lanzado en Universal City Walk en Los Ángeles. Un tercer club en el Times de Nueva York abrió sus puertas en la Plaza de junio de 2000 y más recientemente abrió dos clubes en el Foxwoods Casino en Connecticut en enero de 2002. En 1996, el CD-ROM en el camino con BB King: An Autobiography Interactive fue puesto en libertad con excelentes críticas. También en 1996, la autobiografía de BB, se publicó "Blues All Around Me" (escrito con David Ritz de Avon Books). En una vena similar, Doubleday publicó "La llegada de BB King" de Charles Sawyer, en 1980.
BB sigue ampliamente con su gira, con un promedio de más de 250 conciertos por año en todo el mundo. Clásicos como "El Costo Payin 'To Be The Boss", "The Thrill Is Gone," How Blue Can You Get "," Everyday I Have The Blues "y" Why I Sing The Blues "son conciertos (y fan) grapas. Con los años, el ganador del premio Grammy, ha tenido dos # 1 éxitos R & B, 1951's "Three O'Clock Blues", y 1952 es "You Don't Know Me", y cuatro # 2 éxitos R & B, 1953's "Please Love Me, "1954" You Upset Me Baby, "1960" Sweet Sixteen, Parte I, "y 1966" no le contesta a la puerta, Parte I. "hit crossover más populares de BB, 1970," The Thrill Is Gone ", fue a # 15 pop.





Riley B. King mejor conocido como B. B. King (por su antiguo apodo "The Street Blues Boy King"), nacido el 16 de septiembre de 1925 en Itta Bena, Misisipi, es un famoso guitarrista de blues y compositor.
Según la revista Rolling Stone, King es el guitarrista más grande en vida, y ocupa el tercer puesto entre los "100 guitarristas más grandes de todos los tiempos" (detrás de Jimi Hendrix y Duane Allman).[1]
Es conocido por llamar a sus guitarras "Lucille", una tradición que inició en los 1950s,[2] e incluso compuso una canción con ese título haciendo referencia a la manera en que su guitarra cambió su vida.
Carrera
En 1947, B. B. King comenzó grabando canciones bajo contrato con Los Ángeles basado en RPM Records. Muchos de las primeras grabaciones de King fueron producidas por Sam Phillips, quien luego fundó Sun Records. King fue también disc jockey en Memphis, donde se ganó el apodo de "Beale Street Blues Boy", luego abreviado B. B.
En los 1950s, B. B. King se convirtió en uno de los nombres más importantes en la música R&B, con una impresionante lista de éxitos en su haber que incluía canciones como "You Know I Love You," "Woke Up This Morning," "Please Love Me," "When My Heart Beats like a Hammer," "You Upset Me Baby," "Every Day I Have the Blues," "Sneakin' Around," "Ten Long Years," "Bad Luck," "Sweet Little Angel," "On My Word of Honor," y "Please Accept My Love".
1960-1979
En 1962, King firmó con ABC-Paramount Records.
En noviembre de 1964, King grabó el legendario álbum Live at the Regal en el Regal Theater de Chicago, Illinois.


B. B. King durante un concierto en Francia (1989)
Primero King tuvo éxito fuera del mercado del blues con la nueva versión de 1969 de la melodía de Roy Hawkins, "The Thrill Is Gone", la cual se convirtió en un éxito en las listas de éxitos de pop y R&B, lo cual fue raro para un artista R&B. También se elevó al puesto 183 en Las 500 Mejores Canciones de Todos los Tiempos de la revista Rolling Stone. Ganó visibilidad en la abertura del Tour por América de 1969 de Los Rolling Stones. Los éxitos de King continuaron durante los 1970s con canciones como "To Know You Is to Love You" y "I Like to Live the Love." Entre 1951 y 1985, King apareció en la lista de éxitos de R&B de la revista Billboard 74 veces.[cita requerida]
1980-1999
Los 1980s y 1990s vieron a King grabando menos, pero manteniendo una carrera muy visible y activa apareciendo en numerosos programas de televisión, fotos en las que se le ve con más movimiento y realizando 300 noches en un año. En 1988, alcanzó a una nueva generación de fans con el tema "When Love Comes To Town", junto a la banda Irlandesa U2 en su álbum Rattle and Hum.
2000 al presente
En 2000, King se unió con el guitarrista Eric Clapton para grabar Riding with the King.
En 2003, King compartió el escenario con la banda de rock Phish en Nueva Jersey, tocando tres de sus clásicos durante 30 minutos.
En junio de 2006, King estuvo presente en la conmemoración de su primer transmisión de radio en Three Deuces Building en Greenwood, Misisipi, donde una marca oficial del Misisipi Blues Trail fue construida.
B. B. King también hizo una aparición en el Crossroads Guitar Festival puesto en marcha por Eric Clapton. En el DVD él toca "Rock Me Baby" junto a Eric Clapton, Buddy Guy y Jimmie Vaughan.
Durante los años más de 100 conciertos de B. B. King han sido emitidos, al menos en parte, en radio y TV a muchos países.
Gira de despedida
A los 80 años, el 29 de marzo de 2006, King tocó en el Sheffield's Hallam Arena. Esta fue la primera parte de su gira por el Reino Unido y Europa. Realizó esta gira junto al ex-shredder/rockero convertido en blusero Gary Moore, con el cual King ha previamente realizado otras giras, incluyendo la canción "Since I Met You Baby". Esta gira finalizó el 4 de abril con un concierto en el Wembley Arena.
En julio, B. B. volvió a Europa y en ese momento decidió realizar su despedida en Suiza, tocando dos veces (2 y 3 de julio) en la décimo cuarta edición del Festival de Jazz de Montreux y también en Zúrich en el "Blues at Sunset" el 14 de julio. Durante su último actuación en Montreux, en el Salón Stravinski, tocó junto a Joe Sample, Randy Crawford, David Sanborn, Gladys Knight, Lella James, Earl Thomas, Stanley Clarke, John McLaughlin, Barbara Hendricks y George Duke. La Gira de despedida finalizó en Luxemburgo el 19 de septiembre de 2006 en el estadio D'Coque.


Vivo en Montreaux, julio de 2006
Entre noviembre y diciembre, King tocó seis veces en Brasil.
Durante una conferencia de prensa el 29 de noviembre en São Paulo, un periodista le preguntó a King si aquella sería la verdadera gira de despedida. Él contestó: "Uno de mis actores favoritos es un hombre de Escocia llamado Sean Connery. La mayoría de ustedes lo deben conocer como James Bond, 007. Hizo una película llamada Nunca digas nunca jamás.
Vida personal
B. B. King ha sido un piloto licenciado, un conocido jugador y es también un vegetariano, no bebedor y no fumador.[3] King ha vivido con diabetes por casi diez años y ha sido un visible portavoz en la lucha contra la diabetes, apareciendo en avisos para el manejo de productos para la diabetes.
El 26 de enero de 2007, durante una gira, King fue hospitalizado en Galveston, Texas debido a un bajo grado (100.4°F, 38°C) de fiebre luego de un reciente ataque de influenza. Fue dado de alta el 27 de enero, tras una estadía de una noche.[4] Tuvo tiempo para terminar su gira, con su actuación el 30 de enero.
Filantropía
King es un defensor de la educación de la música en los niños. En 2002, fue contratado como partidario oficial de Little Kids Rock, una organización sin fines de lucro que provee a los niños de escuelas públicas de todo Estados Unidos lecciones e instrumentos musicales de manera gratuita. Forma parte de la tabla de organizaciones de los directores como miembro honorario.
Lucille
Lucille es el nombre de la guitarra más famosa de B.B. King. El nombre proviene de una actuación en Arkansas, en la que se produjo un incendio que obligó a desalojar el recinto a todas las personas allí presentes. B.B. King se dio cuenta de que se había dejado su guitarra y volvió a rescatarla, estando a punto de morir. Cuando le dijeron que el fuego había sido provocado por dos hombres que se peleaban por una mujer, B.B. King le puso a su guitarra el nombre de ésta, Lucille.[2]
Curiosidades
El boxeador Sonny Liston fue tío de King.[5]
El argentino Norberto "Pappo" Napolitano, guitarrista, cantante y compositor de blues, rock y metal argentino conocio a B. B. King, quien lo invitó a tocar en el Madison Square Garden de Nueva York en 1994.
Es mencionado en la canción "Dig It" de los Beatles.
Su cantante favorito es Frank Sinatra. En su autobiografía King habla acerca de cómo era, y es, un "Fanático de Sinatra" y cómo iba a la cama todas las noches escuchando el álbum de clásicos de Sinatra In the Wee Small Hours. King ha acreditado a Sinatra por abrirle las puertas a los artistas negros a los que no se les dio la oportunidad de tocar en lugares dominados por "blancos". Sinatra tenía a B. B. King en los principales lugares en los que cantaba en Las Vegas durante los años 1960.[6]
Ha participado como invitado en numerosos programas de televisión muy populares en los Estados Unidos, incluyendo a The Cosby Show,[7] The Young and the Restless,[7] Hospital General,[cita requerida] El Príncipe del Rap,[7] Barrio Sésamo, Married... with Children[7] y Sanford and Son.[7]
King ha usado otras guitarras además de las encarnaciones de "Lucille", como una Fender Telecaster, Gibson ES-330, Gibson ES-335, Gibson ES-345, Gibson ES-5, y Gibson ES-175.[cita requerida]
Cada año, durante la primera semana de junio, se celebra un festival de regreso al hogar para B. B. King en Indianola.[cita requerida]
Se dice que King tiene 15 hijos.[3] [8]
Discografía
Artículo principal: Discografía de B. B. King


B.B. King
Álbums
Singin' The Blues (1957)
King of the Blues (1960)
My Kind of Blues (1960)
Live at the Regal (Live, 1965)
Lucille (1968)
Live and Well (1969)
Completely Well (1969)
Indianola Misisipi Seeds (1970)
B. B. King in London (1971)
Live in Cook County Jail (1971)
Guess Who (1972)
Lucille Talks Back (1975)
Midnight Believer (1978)
Live "Now Appearing" at Ole Miss (1980)
There Must Be a Better World Somewhere (1981)
Love Me Tender (1982)
Why I Sing the Blues (1983)
B. B. King and Sons Live (Live, 1990)
Live at San Quentin (1991)
Live at the Apollo (Live, 1991)
There is Always One More Time (1991)
Deuces Wild (1997)
Blues On The Bayou (1998)
Riding with the King - con Eric Clapton (2000)
Reflections (2003)
The Ultimate Collection (2005)
B. B. King & Friends: 80 (2005)
One Kind Favor (2008)
Temas seleccionados
"Miss Martha King" (1949, Bullet)
"Got the Blues" (1949)
"Mistreated Woman" (1950, RPM)
"The Other Night Blues" (1950)
"I Am" (1950)
"My Baby's Gone" (1950)
"B. B. Blues" (1951)
"She's a Mean Woman" (1951)
"Three O'Clock Blues" (1951)
"Fine-Looking Woman" (1952)
"Shake It Up and Go" (1952)
"Someday, Somewhere" (1952)
"You Didn't Want Me" (1952)
"Story from My Heart and Soul" (1952)
"Woke Up This Morning With A Bellyache" (1953)
"Please Love Me" (1953)
"Neighborhood Affair" (1953)
"Why Did You Leave Me" (1953)
"Praying to the Lord" (1953)
"Love Me Baby" (1954)
"Everything I Do Is Wrong" (1954)
"When My Heart Beats Like a Hammer" (1954)
"You Upset Me Baby" (1954)
"Sneaking Around" (1955) R&B: #14
"Every Day I Have the Blues" (1955) R&B: #8 1
"Ten Long Years" (1955) R&B: #9 2
"I'm Cracking Up Over You" (1956)
"Crying Won't Help You" (1956) R&B: #15
"Did You Ever Love a Woman?" (1956)
"Dark Is the Night, Pts. I & II" (1956)
"Sweet Little Angel" (1956) R&B: #6
"Bad Luck" (1956) R&B: #3 3
"On My Word of Honor" (1956) R&B: #3
"Early in the Morning" (1957)
"How Do I Love You" (1957)
"I Want to Get Married" (1957) R&B: #14
"Twoubles, Twoubles, Twoubles" (1957) R&B: #13 4
"(I'm Gonna) Quit My Baby" (1957)
"Be Careful with a Fool" (1957) Pop: #95 5
"The Keyblade to My Kingdom" (1957)
"Why Do Everything Happen to Me" (1958, Kent)
"Don't Look Now, But You Got the Blues" (1958)
"Please Accept My Love" (1958) R&B: #9
"You've Been an Angel" (1958) R&B: #16 6
"The Fool" (1958)
"A Lonely Lover's Plea" (1959)
"Time to Say Goodbye" (1959)
"Sugar Mama" (1959)
"Sweet Sixteen, Pt. I" (1960) R&B: #2
"Peace of Mind" (1961) R&B: #7 7
"How Blue Can You Get" (1964, ABC) Pop: #97 8
"Help the Poor" (1964, ABC) Pop: #98 8
"The Worst Thing in My Life" (1964, Kent)
"Rock Me Baby" (1964) Pop: #34 8
"Never Trust a Woman" (1964) Pop: #90 8
"Don't Answer the Door, Pt. I" (1966, ABC) R&B: #2 Pop: #72
"I Say in the Mood" (1966, Kent) R&B: #45
"Paying the Cost to Be the Boss" (1968, Bluesway) R&B: #10 Pop: #39
"I'm Gonna Do What They Do to Me" (1968) R&B: #26 Pop: #74
"The B. B. Jones" (1968) Pop: #98
"You Put It on Me" (1968) R&B: #25 Pop: #82 9
"The Woman I Love" (1968) R&B: #31 Pop: #94
"Get Off My Back Woman" (1969) R&B: #32 Pop: #74 10
"Why I Sing the Blues" (1969) R&B: #13 Pop: #61
"Just a Little Love" (1969) R&B: #15 Pop: #76
"I Want You So Bad" (1969) R&B: #34
"The Thrill Is Gone" (1970) R&B: #3 Pop: #15
"So Excited" (1970) R&B: #14 Pop: #54
"Hummingbird" (1970) R&B: #25 Pop: #48
"Worried Life" (1970) R&B: #48
"Ask Me No Questions" (1970, ABC) R&B: #18 Pop: #40
"Chains and Things" (1970) R&B: #6 Pop: #45
"Help the Poor" (1971, re-grabación) R&B: #36 Pop: #90
"Ghetto Woman" (1971) R&B: #18 Pop: #40
"The Evil Child" (1971) R&B: #34 Pop: #97
"Sweet Sixteen" (1972, re-grabación) R&B: #37 Pop: #93
"I Got Some Help I Don't Need" (1972) R&B: #28 Pop: #92
"Ain't Nobody Home" (1972) R&B: #28 Pop: #46
"Guess Who" (1972) R&B: #21 Pop: #62
"To Know You Is to Love You" (1973) R&B: #12 Pop: #38
"I Like to Live the Love" (1974) R&B: #6 Pop: #28
"Who Are You" (1974) R&B: #27 Pop: #78
"Philadelphia" (1974) R&B: #19 Pop: #64
"Friends" (1975) R&B: #34 11
"Let the Good Times Roll" (1976) R&B: #20
"Slow and Easy" (1977) R&B: #88
"Never Make a Move Too Soon" (1978) R&B: #19
"I Just Can't Leave Your Love Alone" (1978) R&B: #90
"Better Not Look Down" (1979) R&B: #30
"There Must Be a Better World Somewhere" (1981) R&B: #91
"Into the Night" (1985) R&B: #15
"Big Boss Man" (1985) R&B: #62
"When Love Comes to Town" (1988, con U2) Rock: #2 Pop: #68 12
"The Blues Come Over Me" (1992) R&B: #63
"Riding with the King" (2000, con Eric Clapton) Rock: #26
Notas:
"Everyday I Have the Blues" fue el lado-b de "Sneaking Around."
"Ten Long fue el lado-b de "What Can I Do (Just Sing the Blues)."
"Bad Luck" fue el lado-b de "Sweet Little Angel."
"Troubles, Troubles, Troubles" fue el lado-b de "I Want to Get Married."
"Be Careful with a Fool" fue el lado-b de "(I'm Gonna) Quit My Baby."
"You've Been an Angel" fue el lado-b de "Please Accept My Love."
"Peace of Mind" fue el lado-b de "Someday Baby."
La Revista Billboard no publicó la lista de éxitos de R&B entre noviembre de 1963 y enero de 1965.
"You Put It On Me" fue el lado-b de "The B.B. Jones."
"Get Off My Back Woman" fue el lado-b de "I Want You So Bad."
"Friends" fue el lado-b de "My Song."
"When Love Comes to Town" fue el primer sencillo de B.B. King en entrar a la lista de éxitos Mainstream Rock Tracks Billboard.
Grabaciones aún no categorizadas
Blues Summit; 1993
How Blue Can You Get? Live Performances; 1996
Deuces Wild; 1997
Take it Home; 1998
His Best - The Electric B. B. King; 1998
Completely Well; 1998
Greatest Hits; 1998
Blues on the Bayou; 1998
Millennium Collection - 20th Century Masters; 1999
His Definitive Greatest Hits; app. 1999
Live in Japan; 1999
Let the Good Times Roll; 1999
Makin' Love is Good for You; 2000
Anthology; 2000
Live at San Quentin (Remastered); 2001
Here & There - The Uncollected B.B. King; 2001
A Christmas Collection of Hope; 2001
Blues is King; 2002
Christmas Collection - 20th Century Masters; 2003
Reflections; 2003
Before the night is over-Last man standing; 2006
Videografía
The Electric B. B. King - His Best (1960)
Great Moments with B. B. King (1981)
The King of the Blues: 1989 (1988)
Got My Mojo Working (1989)
King of the Blues (Box Set, 1992)
Why I Sing the Blues (1992)
B. B. King: Live By Request (2003) DVD
Martin Scorsese Presents the Blues: B. B. King; (2003)
Ultimate Collection (2005)
Honores y condecoraciones
King fue premiado con la Medalla Nacional de Artes en 1990.[9]
En 2004, fue premiado con un honorario Ph.D de la Universidad de Misisipi y la Real Academia Sueca de música lo galardonó con el Premio de Música Polar, por sus "significantes contribuciones al blues".
El 15 de diciembre de 2006, el Presidente de Estados Unidos George W. Bush premió a King con la Medalla Presidencial de la Libertad.[10]
Premios Grammy - King recibió un Premio Grammy por Logros en la Vida en 1987.[11] Ganó el premio Grammy por Mejor Álbum Tradicional nueve veces, en 2006 (por B. B. King & Friends: 80), 2003 (por A Christmas Celebration of Hope), 2001 (por Riding with the King), 2000 (por Blues on the Bayou), 1994 (por Blues Summit), 1992 (por Live at the Apollo), 1991 (por Live at San Quentin), 1986 (por My Guitar Sings the Blues) and 1984 (por Blues 'N' Jazz). En 1982, ganó el Grammy por Mejor Grabación de Folk Étnica o Tradicional (por There Must Be a Better World Somewhere). El Grammy por Mejor Folk Tradicional o Étnico fue entregado por última vez en 1986; el Grammy por mejor Álbum de Blues Tradicional fue entregado por primera vez en 1983. En 1997, ganó un Grammy por Mejor Performance Instrumental de Rock (junto a otros artistas, para "SRV Shuffle"). En 1971, ganó el Grammy por Mejor Performance Vocal Masculina R&B (por "The Thrill is Gone"). Un Premio Grammy en el Salón de la Fama fue dado a "The Thrill is Gone" en 1998, además de otro dirigido a las grabaciones que tienen como mínimo 25 años y que tienen un "significado específico o histórico."[12]
King fue galardonado con el "Centro de Honores Kennedy" en 1995. Esto se hace para reconocer "los cumplimientos y extraordinarios talentos de la vida de los más prestigiosos artistas de nuestra Nación."[13]
B.B. King ocupa el tercer puesto en la lista de "Los 100 mejores Guitarristas de la Historia", elaborada por la revista Rolling Stone, sólo por detrás de Duane Allman y Jimi Hendrix.
Frases célebres
Wikiquote
Wikiquote alberga frases célebres de o sobre B. B. King.
"Tú tienes un alma, tú tienes un corazón, tú tienes el sentimiento de que tu música es vida. La vida que vivimos en el pasado, la vida que estamos viviendo hoy y la vida que creo que viviré mañana."
"Yo creo que hay un lugar para tocar la guitarra. Hay un lugar para cantar el blues."

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